Técnica e prática
Um retrato bem executado deve representar a essência interior do sujeito do ponto de vista do artista e não apenas a aparência externa. Como afirmou Aristóteles, "O objetivo da arte não é apresentar a aparência externa das coisas, senão o seu significado interno; pois isto, e não a aparência e o detalhe externos, constitui a autêntica realidade".Os artistas podem esforçar-se por um realismo fotográfico ou um parecido impressionista, mas não se trata de uma caricatura, que visa revelar o caráter através da exageração dos traços físicos. O artista em geral procura um retrato representativo, como afirmou Edward Burne-Jones: "A única expressão permitida na grande retratística é a expressão do caráter e da qualidade moral, nada temporário, efêmero ou acidental".
Na maior parte dos casos isto dá como resultado uma aparência séria, uma olhada fixa de lábios apertados, sendo historicamente raro que se encontre para além de um leve sorriso. Ou como expressou Charles Dickens, "somente há duas classes de retratos pictóricos: o sério e o do pequeno sorriso". Até mesmo com estas limitações, é possível conseguir uma ampla gama de sutis emoções, de uma ameaça tranquila a um amável contente. Se a boca se mantiver relativamente neutral, criar-se-á grande parte da expressão facial através dos olhos e da sobrancelha. Como afirma o escritor e artista Gordon C. Aymar, "os olhos são o lugar no qual é vista a informação mais completa, fiável e pertinente" sobre o sujeito. E a sobrancelha pode registrar, "quase elas por si sós, maravilha, pena, medo, dor, cinismo, concentração, nostalgia, desagrado e esperança, em infinitas variações e combinações".
O protagonista pode ser representado de corpo inteiro, meio corpo, cabeça e ombros ou cabeça, bem como de perfil, meio volto, três quartos ou de frente, recebendo a luz de diversas direções e ficando em sombra partes diferentes. Ocasionalmente, os artistas criaram retratos com múltiplos pontos de vista, como com o Triplo retrato de Carlos I efetuado por Anton van Dyck. Há até mesmo alguns retratos nos que não se vê o rosto do sujeito; exemplo disso é Christina's World (1948), de Andrew Wyeth, no que a postura da garota deficiente volta de costas integra-se com a ambientação na que se encontra para expressar a interpretação do artista.
Entre outras variações, o sujeito pode estar vestido ou nu; dentro de casa ou em exterior; de pé, sentado, reclinado; até mesmo montado a cavalo (retrato equestre). As pinturas de retrato podem ser de indivíduos, casais, pais e filhos, famílias, ou grupos de colegas ("retrato de grupo"). Podem ser criados com óleo, aquarela, tinta e caneta, lápis, carvão, pastel e técnica mista. Os artistas podem empregar uma ampla paleta de cores, como No terraço de Renoir (1881) ou limitar-se a quase branco e negro, como no retrato que Gilbert Stuart fez de George Washington em 1796.
Às vezes também tem relevância o tamanho do quadro. Os enormes retratos de Chuck Close, que têm como destino ser mostrados num museu, diferem grandemente da maioria dos retratos, criados para se colocarem numa casa particular ou ser transportados com facilidade. É frequente que o artista leve em conta o local no que pendurará o retrato final, bem como a cor e o estilo da decoração que virá rodeá-lo.
Criar um retrato pode levar um tempo considerável, e requer geralmente várias sessões de posado.Cézanne, por exemplo, insistia em mais de 100 sessões dos seus retratados. Goya, pela sua vez, preferia um longo posado de um dia. A média é de cerca de quatro. Os retratistas às vezes mostram aos seus protagonistas uma série de desenhos ou fotos para o modelo eleger a sua postura favorita, como fazia Joshua Reynolds. Às vezes, como Hans Holbein, o Jovem, desenhavam o rosto e depois completavam o restante da pintura sem o retratado estar posando. No século XVIII poderia tardar-se um ano desde a encomenda até a entrega ao cliente.
Tratar com as expetativas e o estado de ânimo do modelo é uma preocupação para o retratista. Quanto à fidelidade do retrato a respeito da aparência do modelo, os artistas costumam ter um enfoque coerente. Os clientes que buscavam Joshua Reynolds sabiam exatamente que o resultado seria bajulador, enquanto os modelos de Thomas Eakins aguardariam um retrato realista. Alguns retratados têm fortes preferências, outros deixam que o artista decida por completo. É famoso Oliver Cromwell por ter exigido que o seu retrato mostrasse "todas estas asperezas, grãos e verrugas e todo o que vedes no meu, de outra forma nunca pagarei um penique por ele".
Após fazer que o modelo esteja cômodo e animando-o a que adote uma pose natural, o artista estuda o sujeito, buscando entre as possíveis expressões faciais, aquela que satisfaz o seu conceito da essência do modelo. A postura do sujeito também é considerada com cuidado para revelar o seu estado emocional e físico, o mesmo que ocorre com a vestimenta. Para manter o modelo implicado e motivado, o artista hábil com frequência manterá um comportamento e conversação agradáveis. Élisabeth Vigée-Lebrun aconselhava aos companheiros artistas que elogiassem as mulheres e a sua aparência para obter a sua cooperação no posado.
Para ter sucesso na execução de um retrato é essencial dominar a anatomia humana. Os rostos humanos são assimétricos e um retratista habilidoso reproduz isto com sutis diferenças entre a esquerda e a direita. Os artistas têm de conhecer os ossos que ficam baixo e a estrutura do tecido para fazer um retrato convincente.
Para composições complexas, o artista faria primeiro um rascunho completo, com lápis, tinta, carvão ou ao óleo, o que é particularmente útil se é limitado o tempo de que dispõe o modelo para posar. A forma geral, então com um parecido aproximado, esboçado sobre a tela em lápis, carvão ou óleo fino. Em muitos casos, primeiro completa-se o rosto e depois o demais. Nas oficinas de muitos dos grandes retratistas, o mestre faria somente a cabeça ou as mãos, enquanto a roupa e o fundo completar-se-iam pelos aprendizes principais. Havia até mesmo especialistas de exterior que tratavam temas específicos, como a roupa e os seus dobramentos, como Joseph van Aken. Alguns artistas usavam manequins ou bonecas para ajudar a estabelecer e executar a pose e a roupa. O uso de elementos simbólicos colocados ao redor do modelo (incluindo signos, enxoval doméstico, animais e plantas) foi usado com frequência para apresentar, codificado na pintura, o caráter religioso ou moral do sujeito, ou com símbolos representando a ocupação do modelo, os seus interesses ou o seu status social. O fundo pode ser totalmente preto e sem conteúdo ou toda uma cena que situa o modelo no seu meio social ou recreativo.
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